Tres funciones narrativas de la música en The Invite

English version available below.

Buen día, bienvenidos sean a un nuevo episodio de Notas en Frame, esta vez quisiera hacer un episodio sobre una película interesante en el sentido de que probablemente no contó con el presupuesto de las grandes producciones, pero creo que nos deja varias propuestas interesantes desde varios ángulos.

The invite, es una producción reciente de Olivia Wilde, síííí, Olivia Wilde que la conocemos por su trabajo de actriz y quizá reconozcan más su trabajo como directora en “Don’t worry Darling”. Yo personalmente la conocí como actriz en Dr. House y desde ahí la adoro fuerte. Hoy viene con The Invite y con Devonté Hynes, Dev Hynes o Blood Orange, como prefieran, a cargo de la música. Esta no es su primera creación en el mundo cinematográfico pues previamente ha trabajado en producciones como “We are who we are”, y “Queen and Slim”

The Invite, nos trae música que podría decirse que está adaptada a la imagen. Por tanto, quizá no es narradora sino algo más…

Esto me recordó un poco a la dinámica entre The Studio y Antonio Sánchez en donde la música es más bien el músculo de la historia. Aquí hay otro factor en común: Seth Rogen, actor, creador, director, productor y escritor, el señor todo de la serie; esta vez, actor en The Invite. Por su parte, Olivia Wilde tiene una aparición en la serie como actriz. Entonces, tenemos la constante Wilde-Rogen.

Ambos, en sus producciones, eligieron darle un rol similar a la música. El del músculo y acento.

Si lo pensamos bien, esto me parece un terreno interesante porque nos ayuda a enmarcar la música desde otro ángulo. Es decir, hemos hablado mucho sobre cómo la música rescata ciertos patrones mentales para adentrarnos en una cierta atmósfera emocional.

En el caso de esta producción, la música es acento, mecanismo de disonancia y espejo. Este soundtrack está compuesto por 24 minutos solamente, en comparación con la duración total de la película, que es de 107 minutos, es decir, tan solo 22.5% del tiempo de la película. Muy poco comparado con scores de otros compositores y otras películas. Ahora bien, este está compuesto por variaciones de piezas clásicas y participaciones marcadas del cello.

El violonchello es sin duda el instrumento predominante ¿por qué? Bueno, no sé si esto sea intencional pero quizá responde a esa reacción que tenemos por seleccionar aquello que nos levanta ciertas ideas y/o asociaciones, como lo hemos planteado aquí muchas veces. Me parece particularmente interesante porque tradicionalmente, el violonchello es el instrumento de cuerdas cuyo registro y cualidad tímbrica suelen considerarse los más cercanos a la voz humana y esa cercanía, favorece una escucha más íntima; es así que, la música aquí cumple una función no solo de acento y disonancia, sino de espejo. Vamos por partes.

Como acento, la música aparece en momentos de la narrativa en los que los personajes pasan por algún momento emocional particularmente intenso, inclusive en el nombre de las piezas se puede observar esta intención: “They’re On their way”, “Flan”, “Can we do a reset”.

Esta dinámica de acento nos expone otra función de la música: la intención y el recurrir hacia dicho recurso para que este detone la intensidad de ciertos puntos en la narrativa más allá de lo que la imagen puede lograr. La música nos dice hacia dónde y en qué momentos de la narrativa hacer hincapié, así como las emociones que se deben gestar en esos espacios de tiempo: una agria discusión va con la gravedad del chelo porque claro, lo que articulamos con tensión profunda no puede estar mejor representada, no es una tensión aguda como lo asociaríamos con un violín, sino un poco más aterrizado a lo humano, y qué mejor que aquel que asociamos naturalmente con la voz humana, es decir, con el cuerpo, con la acción humana.

La música se inscribe como disonancia con las piezas clásicas como La habanera y la Suite para Cello en variaciones muy peculiares. Ante la transformación de piezas profundamente instaladas en nuestro imaginario colectivo, se invoca a nuestros plug-ins colectivos, los cuales, dibujan un proceso inmediato de comparación y con él, hacen emerger una asociación entre lo que ocurre en la pantalla con la idea de “disonancia” que convierte el conflicto en comedia y eso, hasta cierto punto, forma parte de la coherencia narrativa.

Por último, la música como espejo la podemos percibir puntualmente en piezas como “Explain Yourself + Our neighbours”, que aparece como parte de una discusión entre los protagonistas ¿Alguna vez se han visto al espejo y se han encontrado detalles que permanecían ocultos? Nos acostumbramos tanto a habitar nuestras propias emociones que, muchas veces, es solo en el conflicto con los demás cuando aparecen… “grietas”, “heridas” o “virtudes” que no reconocíamos antes.

La música funciona aquí como ese espejo: refleja la vulnerabilidad, la frustración y las contradicciones que ambos personajes van descubriendo de sí mismos, a nivel individual y en conjunto. Mientras la conversación los obliga a enfrentarse entre ellos, la música también nos invita a mirar hacia adentro con la voz, el chello, en constante tensión y distensión… lo cual me parece interesante porque como mencionamos antes, el violonchelo comparte con la voz humana no solo un rango similar, sino también una cualidad tímbrica que nos hace percibirlo como corporal. Entonces, no parece un sonido que ocurra "afuera", sino algo que emerge desde dentro. así como nuestra forma de descubrirnos a través de los demás.

Aunque solo son 24 minutos de música, me parece importantísimo como, si escuchamos con atención, la música puede cargar muchísimo peso narrativo y gran parte emocional de los productos cinematográficos.

En este caso, dentro de una comedia tan humana y tan basada en la cotidianidad, la música nos guía por tres aristas que terminan configurando por completo nuestra experiencia al mirar.

EN Version

Three Narrative Functions of Music in The Invite

Good morning, and welcome to a new episode of Notas en Frame. This time, I would like to dedicate an episode to a film that is interesting in the sense that it probably did not have the budget of a major production, but I believe it offers us several interesting propositions from different angles.

The Invite is a recent production by Olivia Wilde (yes, Olivia Wilde, whom we know for her work as an actress and whom you may recognise even more for her work as the director of Don’t Worry Darling). I personally first knew her as an actress in House M.D., and I have adored her ever since. This time, she arrives with The Invite, with Devonté Hynes, Dev Hynes or Blood Orange, whichever you prefer, in charge of the music. This is not his first creation in the cinematic world, as he has previously worked on productions such as We Are Who We Are and Queen & Slim.

The Invite brings us music that could be described as adapted to the image. Therefore, perhaps it is not a narrator, but rather something else…

This reminded me somewhat of the dynamic between The Studio and Antonio Sánchez, in which the music functions more as the muscle of the story. Here, there is another shared factor: Seth Rogen, actor, creator, director, producer and writer, the man who does everything in the series; this time, appearing as an actor in The Invite. Olivia Wilde, for her part, appears in the series as an actress. Therefore, we have the Wilde–Rogen constant.

In both of their productions, they chose to give music a similar role: that of muscle and accent.

If we think about it carefully, this seems to me to be interesting territory because it helps us frame music from another angle. That is, we have spoken extensively about how music retrieves certain mental patterns in order to draw us into a particular emotional atmosphere.

In the case of this production, music is accent, a mechanism of dissonance and a mirror. This soundtrack consists of only twenty-four minutes, compared with the film’s total duration of 107 minutes; in other words, only 22.5% of the film’s running time. Very little in comparison with the scores of other composers and other films. It is composed of variations on classical pieces and marked interventions by the cello.

The cello is undoubtedly the predominant instrument. Why? Well, I do not know whether this was intentional, but perhaps it responds to our tendency to select that which awakens certain ideas and/or associations in us, as we have proposed here many times. I find it particularly interesting because, traditionally, the cello is the string instrument whose register and timbral quality are often considered the closest to the human voice, and this proximity encourages a more intimate form of listening. Thus, the music here fulfils a function not only of accent and dissonance, but also of mirror. Let us take this one step at a time.

As an accent, the music appears at moments in the narrative when the characters are going through particularly intense emotional experiences. This intention can even be observed in the titles of the pieces: “They’re On Their Way”, “Flan”, “Can We Do a Reset”.

This dynamic of accent reveals another function of music: intentionality, and the use of this resource to trigger the intensity of certain points in the narrative beyond what the image can achieve. Music tells us where and at which moments in the narrative emphasis should be placed, as well as the emotions that should emerge within those spaces of time. A bitter argument is accompanied by the gravity of the cello because, of course, what we articulate through deep tension could not be represented more effectively. It is not an acute tension, as we might associate with a violin, but something more grounded in the human, and what better instrument than the one we naturally associate with the human voice; that is, with the body, with human action.

Music is inscribed as dissonance through classical pieces such as the Habanera and the Cello Suite, presented in highly distinctive variations. Through the transformation of works deeply embedded in our collective imaginary, our collective plug-ins are invoked. These produce an immediate process of comparison and, through it, an association emerges between what occurs on screen and the idea of “dissonance”, which transforms conflict into comedy and, to a certain extent, becomes part of the narrative coherence.

Lastly, music as a mirror can be perceived specifically in pieces such as “Explain Yourself + Our Neighbours”, which appears as part of an argument between the protagonists. Have you ever looked at yourself in the mirror and discovered details that had remained hidden? We become so accustomed to inhabiting our own emotions that, very often, it is only through conflict with others that “cracks”, “wounds” or “virtues” that we had not previously recognised begin to emerge.

Music functions here as that mirror: it reflects the vulnerability, frustration and contradictions that both characters gradually discover about themselves, individually and together. While the conversation forces them to confront one another, the music also invites us to look inward, through the voice of the cello, in constant tension and release. This seems particularly interesting to me because, as we mentioned before, the cello shares with the human voice not only a similar range, but also a timbral quality that makes us perceive it as corporeal. Therefore, it does not seem like a sound occurring “outside”, but rather something emerging from within, just as we discover ourselves through others.

Although there are only twenty-four minutes of music, I find it extremely important to recognise how, if we listen carefully, music can carry an enormous amount of narrative weight and much of the emotional dimension of cinematic works.

In this case, within a comedy that is so human and so rooted in everyday life, music guides us through three dimensions that ultimately shape our entire viewing experience.